D’où vient le déjeuner sur l’herbe ?

Un des tableaux les plus célèbres du musée d’Orsay est Le Déjeuner sur l’herbe d’Edouard Manet, peint en 1863. Le tableau présente quatre personnages dans un sous-bois. Trois sont assis ou étendus en train de parler, avec un panier de fruits au premier plan. Par derrière, une femme en chemise se trempe les pieds dans une rivière, où l’on voit aussi une barque amarrée.

Mais ce qui frappe le regard, c’est que sur les trois personnages au centre, on voit deux messieurs habillés comme à l’époque du peintre, et une femme entièrement nue, qui nous regarde. Sa robe bleue est sous la corbeille des fruits.

Ce tableau, où l’on a parfois voulu voir le coup d’envoi de l’Art moderne – il vient de loin…

Acte 1. Une promenade “à l’antique”

Il y a quelques jours, pour m’aérer un peu, je sors de chez moi à Vincennes et prends le métro jusqu’au Louvre. J’ai une carte, que je renouvelle chaque année, qui me permet d’y entrer sans réservation – un privilège par les temps qui courent. Arrivé sous la Pyramide, je grimpe du côté Richelieu, jusqu’au département des Objets d’Art. Ce sont des endroits où il n’y a pas grand monde : on peut flâner, prendre des photos sans gêner personne.

Dans les quartiers Renaissance, je regardais des assiettes peintes quand soudain un détail m’arrête. L’une d’elle (illustrée ici) représente le Jugement de Pâris, qui est certainement le Concours de beauté le plus dramatique qu’on ait connu !

On raconte que trois déesses grecques Héra, Athéna et Aphrodite (en latin : Junon, Minerve et Vénus) voulaient savoir laquelle d’entre elles était la plus belle, afin de mériter une pomme en or. Pour se débarrasser de cette querelle, Zeus (Jupiter) envoie les déesses, sous la conduite d’Hermès (Mercure) pas très loin de la ville de Troie, en face de l’île de Lesbos, sur le mont Ida où se trouve le berger Pâris : il choisira. Mais – comme dans certains combats de boxe – la décision est truquée. Aphrodite promet à Pâris l’amour de la belle Hélène, s’il la désigne, elle. Pâris donne la pomme de discorde à Aphrodite, et il va obtenir Hélène… provoquant sans le savoir la Guerre de Troie.

Le sujet a été traité par les peintres d’innombrables fois, puisque c’était un façon assez chic de peindre des jolies filles très déshabillées. Au Musée des Beaux-Arts de Lyon, on peut voir une amphore ancienne (VIe siècle AEC) et intacte avec Hermès, qu’on reconnaît à son bâton-caducée et ses petites ailes aux chevilles, parlant avec un personnage masculin. Hermès est suivi de trois femmes, et il ne fait aucun doute qu’il s’agit de notre histoire. Mais les trois femmes sont habillées.

Au Louvre, on peut voir une mosaïque de sol rapportée du site ancien d’Antakiya (Antioche sur l’Oronte, dans l’actuelle Turquie) et qui date du milieu du IIe siècle EC – donc environ 700 ans après l’amphore. La scène est agrémentée de chèvres et d’une vache puisque Pâris est un berger, d’un paysage agreste et rocheux, avec colonne et petits génies perchés. On voit à gauche Hermès à la peau brune, avec son bâton en jaune, Pâris assis sur une pierre, et les trois déesses comme au théâtre. Les déesses sont habillées.

Rapprochons-nous de quelques siècles. Nous voici vers 1400, et cette fois au Victoria & Albert Museum, l’un des grands musées de Londres. On peut y voir un coffret d’ivoire dont les facettes de côté sont décorées d’épisodes de la légende du berger Pâris. Je choisis celui du Jugement. Cette fois, les dames sont nues. Le berger est sur la gauche, et le doigt levé : il est sans doute en train de désigner la plus belle – et ce serait presque émouvant, si l’on ne savait le match faussé.

Acte 2. Et mon assiette ?

Je n’ai pas oublié que nous étions partis du Louvre où, soudain, je m’étais arrêté devant une assiette peinte. “Mon” assiette a été fabriquée, me dit la petite notice du Louvre, dans la ville d’Urbino en Italie, dans l’Atelier Fontana, vers 1550. Donc environ 150 ans encore après la plaque d’ivoire du coffret de Londres. La notice ajoute : “d’après une gravure de Marcantonio Raimondi”. Approchons-nous.

J’ai zoomé sur la scène que nous connaissons, mais les personnages sont plus nombreux. Même sur le détail ci-dessus, on voit de gauche à droite : une femme sur le rebord à gauche, puis Pâris qui tend la pomme, Hermès avec son bâton et son chapeau, puis les trois dames dont l’une est de dos en tain de se rhabiller après la séance de pose ! Et – attention !- à droite une femme assise, dont la main droite touche le menton.

On peut faire de nombreuses observations sur les couleurs magnifiques de l’assiette, la disposition de l’ensemble de la scène (si l’on se reporte à l’assiette entière illustrée plus haut), et surtout l’étrange façon de peindre les corps féminins ou masculins, comme pour les côtes saillantes et le fessier de la déesse vue de dos. Mais ce qui retenait mon attention, c’était la femme à droite : j’avais l’impression de l’avoir déjà vue quelque part. Je vais la cadrer un peu mieux.

J’ai d’abord pensé à un tableau champêtre de Giorgione ou Titien – comme le Concert champêtre justement, qui est au Louvre aussi. Mais non, ce n’était pas ça. C’est pourtant le nom de ce tableau qui m’a guidé ; je me suis dit : “ce n’est quand même pas le Déjeuner sur l’herbe !” Je trouvais cela difficile, parce que j’étais là parmi des œuvres de la Renaissance, alors que le tableau de Manet, ce n’est pas franchement la même veine.

Eh bien si. C’était ça ! Vous pouvez voir que la position de la femme nue, dans le tableau de Manet, est très semblable. J’étais étonné. Comme la notice disait que la peinture de l’assiette était copiée d’une gravure d’un certain Raimondi, j’ai voulu vérifier. On trouve en ligne un ouvrage sur ce graveur, où est reproduit en pleine page un Jugement de Pâris, réalisé vers 1516.

On y retrouve de nombreux détails précis de la belle assiette peinte du Louvre, y compris la 3e déesse vue de dos qui est en train de se rhabiller, et il ne fait aucun doute que la gravure est la source d’inspiration de l’Atelier qui a fabriqué l’assiette. Mais ce qui est stupéfiant, c’est que sur la droite, on trouve exactement le groupe de Manet, sauf la dame dans la rivière ! Manet avait copié.

Je suis allé lire un peu des choses sur le fameux tableau de Manet, et je me suis aperçu (à la fois un peu déçu et fier de moi !) que la source du tableau avait été repérée depuis longtemps. Non seulement parce qu’il existe des gens très savants qui connaissent les gravures qu’on ne voit pas souvent dans les musées, mais parce que ce “copiage” de Manet était délibéré. Il l’avait fait exprès !

Acte 3. L’art et la provocation

On raconte que Manet était irrité des usages “académiques”, qui exigeaient qu’il peigne des nus. C’était l’usage. Pas de peintre crédible sans quelques nus par ci par là. Manet ne voulait pas faire des nus “d’académie” avec des poses conventionnelles. Il voulait – puisqu’il le fallait vraiment – faire un vrai nu, et surtout faire un tableau intéressant.

Mais il prévoyait les ennuis. Il savait que les poses conventionnelles étaient faites pour dire quelque chose comme : “je ne suis pas vraiment nue, je suis juste un exercice supposé faire beau”, ou pire encore : “les vrais nus sont obscènes, les beaux nus sont des objets de peinture comme moi”. Du reste, on disait “un nu”, “peindre des nus”, “faire des nus”, comme s’il ne s’agissait pas de peindre des gens mais de réviser son manuel d’anatomie.

C’était une situation étrange. A l’époque de Manet, la photographie existait déjà, et la photographie érotique aussi, bien entendu. Peut-être était-ce une des raisons pour lesquelles les écoles où l’on apprenait à peindre se crispaient sur les “académies”, en veillant à ce que les poses des modèles soient tout sauf naturelles. Ou bien, plus simplement, est-ce que peindre des nus naturels était devenu tabou. Pourtant, du temps de Titien et du Concert champêtre, ce tabou n’existait guère, et le tableau de Titien, avec bien d’autres, était au Louvre.

Manet a donc délibérément, et avec malice, cherché un modèle inattaquable, gravé et peint depuis des siècles, présent dans les musées… Mais il en a fait tout autre chose. Son tableau a eu beaucoup d’ennuis. Zola est venu au secours de son ami Manet. Dans son Edouard Manet (1867, quatre ans après le fameux tableau), il a écrit ceci.

“La foule s’est bien gardée d’ailleurs de juger Le Déjeuner sur l’herbe comme doit être jugée une véritable œuvre d’art ; elle y a vu seulement des gens qui mangeaient sur l’herbe, au sortir du bain, et elle a cru que l’artiste avait mis une intention obscène et tapageuse dans la disposition du sujet, lorsque l’artiste avait simplement cherché à obtenir des oppositions vives et des masses franches. Les peintres, surtout Édouard Manet, qui est un peintre analyste, n’ont pas cette préoccupation du sujet qui tourmente la foule avant tout ; le sujet pour eux est un prétexte à peindre tandis que pour la foule le sujet seul existe.” 

C’est ce que Flaubert avait écrit à Louise Colet, le soir du 16 janvier 1852.

“Ce qui me semble beau, ce que je voudrais faire, c’est un livre sur rien, un livre sans attache extérieure, qui se tiendrait de lui-même par la force interne de son style, comme la terre sans être soutenue se tient en l’air, un livre qui n’aurait presque pas de sujet ou du moins où le sujet serait presque invisible, si cela se peut.” 

Conclusion

Mon idée n’est pas de savoir quels risques on prend, quand on veut éviter le “sujet”. Mais ce qui a motivé ce billet est pourtant un parcours assez proche : c’est la pose d’un corps qui a attiré mon attention – et ce corps sur son assiette ne doit pas dépasser quatre ou cinq centimètres.

Il est certain que la nudité du corps rendait sa posture plus claire. Mais c’est la posture, autant que la nudité, qui a déclenché le souvenir. Un dessinateur pourrait “croquer” cette figure en quelques coups de crayon. Manet, Zola et Flaubert avaient raison : si l’on rit bêtement parce que la femme est nue, on ne voit rien, on est abruti par la mécanique qui dit : nu = désir = cochon.

L’effort pour ne pas se noyer “dans le sujet”, pour agir sur les couleurs comme sur des leviers nouveaux, pour faire apparaître la force des coloris et des chairs et des tissus là où la vertu porte des costumes “corrects” stériles en noir et blanc – voilà sans doute ce qui transformait les “sujets” que l’on croyait connaître.

NOTE sur les images. (1, 8, 10) Le Déjeuner dur l’herbe, 1863, d’Edouard Manet. Les reproductions se trouvent partout et à peu près sur touts supports. Sauf sur fourchette, peut-être. (2, 6, 7) Le cartel du Louvre indique ceci : “Atelier Fontana. Plat : Le Jugement de päris, d’après une gravure de Marcantonio Raimondi. Urbino, vers 1540-1550. Faïence. Ancienne collection Giovanni Pietro Campana, acquisition 1861. OA 1857.” (3) Une image de l’amphore du Musée de Lyon se trouve sur la page Wikipedia ‘Jugement de Pâris’. (4) La Mosaïque d’Antakya est au Louvre, et on peut consulter la notice du Musée. (5) Ce cliché du coffret du Victoria & Albert Museum est un détail d’une photo de la Base iconographique en ligne du Warburg Institute : ici. (9) Henri Delaborde, 1888, Marc-Antoine Raimondi : étude historique et critique, suivie d’un catalogue raisonné des oeuvres du maître. L’ouvrage est accessible ici, p. 27, où se trouve la reproduction de la gravure qui nous intéresse. (11) Une photo médiocre (par moi) du Concert champêtre, au Louvre. (12) Le portrait du jeune Emile Zola par le jeune Edouard Manet se trouve au Musée d’Orsay. Cette image provient de la page Wikipedia sur Zola.

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