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Rebords et couleurs

En regardant des images, nous voyons surtout ce que nous reconnaissons, et souvent c’est au milieu.

Les figures au centre nous captivent, surtout s’il s’agit d’humains ou d’animaux. Nous regardons ce qui nous ressemble. C’est un peu humiliant !

Parfois, une figure énigmatique nous réveille, suscite un intérêt nouveau justement parce que nous ne reconnaissons pas.

Mais hors du centre, au rebord des images, il y a pourtant beaucoup de choses. Des formes, des motifs et des couleurs – quand nous avons la présence d’esprit de les regarder.

Acte 1. Poétesse où es-tu ?

En ce moment au Musée Guimet, outre l’exposition (jusqu’au 15 janvier) de photos grand format ‘Portraits éphémères du Japon‘, avec des commentaires de l’auteur, P.-E. de Pibrac, on voit l’expo ‘A la cour du prince Genji‘ (jusqu’au 25 mars).

“Prince Genji” est une expression discutable, puisque genji est le titre de ces fils d’empereur qui ne sont pas héritiers – donc des princes à coup sûr. L’important n’est pas là. “Le Genji”, pour tout le monde et au Japon, c’est Le Dit du Genji, un roman du XIe siècle, écrit par une femme de cour et de lettres japonaise, Shikibu Murasaki. Peut-être l’oeuvre la plus célèbre de toute la littérature japonaise.

Mais le portrait idéal ci-dessus n’est pas celui de Murasaki. C’est celui d’une poétesse plus ancienne, Ono no Komachi. C’est une peinture sur soie du XVIe siècle ; la dame disparaît sous ses lourdes robes, et le visage n’est plus qu’un signe disant : ceci est un visage1.

Ono no Komachi était une beauté célèbre, et un des grands poètes (tous sexes confondus) du début du Japon d’Heian, au IXe siècle EC. Avant Murasaki.

On pourrait continuer sur ce ton, évoquer ses poèmes, les drames de théâtre nô qui l’ont prise pour sujet, les thèmes qu’elle a contribué à rendre “inévitables”, comme aurait dit Borges. Mais ce qui m’intéresse dans cette image, ce sont les quatre couleurs qui reviennent dans le motif en bas, de gauche à droite : bleu, jaune, rouge, vert, deux fois et demi.

Acte 2. Jouer une autre gamme

Sarcophage d’Aghia Triada (Crète). XIVe siècle AEC. 138 cm de long.

Ce sarcophage en calcaire (recouvert de plâtre à fresque), aujourd’hui au Musée d’Héraklion en Crète, nous montre au centre une frise de personnages masculins et féminins apportant des offrandes.

Inutile de vous dire que, non moins intéressante est la gamme des couleurs affichées partout sur les montants, et qu’on retrouve sur le motif aussi bien, même si des nuances s’y ajoutent. Comme sur la peinture japonaise précédente, ces couleurs sont parfaitement contrastées et identifiées dans une série répétée dans la frise en bas du coffre : bleu, jaune, blanc, rouge, 4 fois et plus. On ne peut pas manquer le fait que la ‘phase bleue’ est aux deux extrémités et au centre.

Détail de l’image précédente

Il n’y a aucune influence du sarcophage sur la peinture japonaise, qui est de 3000 ans plus jeune. Ce qui est commun est que, comme l’harmonie de certaines notes en arpège, l’harmonie de certaines couleurs gagne à s’afficher dans leur contraste. Et qu’il s’agit d’une esthétique qui ne valorise pas les fondus, les chiaroscuro.

Acte 3. Europe romane

Qu’on se rassure : l’Europe n’est pas en reste, comme on peut le voir à gauche sur ce détail d’une page d’une des Bibles de León (en Espagne), celle de 920.

Il s’agit (voir la page entière ci-dessous) de saint Luc, précédant son évangile. On peut d’ailleurs l’identifier au taureau qui le surmonte, son animal-totem. On dit que le taureau du Guernica de Picasso, qui lui ressemble un peu, en serait inspiré ; mais c’est sans doute une pieuse légende moderne.

Les peintres des grands manuscrits espagnols de cette époque sont célèbres pour leur emploi de couleurs vives – et d’autant plus vives qu’ils les mettent en contrastes fermes.

Particulièrement célèbre est la série des Beatus illustrés, qui s’échelonnent entre Xe et XIIIe siècle. La puissance “sauvage” des images qui y illustrent l’Apocalypse doit autant aux violentes couleurs qu’à la thématique des images.

Pour notre propos, la Bible de León de 920 (il en existe une autre, de 960) est peut-être préférable. Les ailes de ‘Lucas’ en archange, surmonté de son taureau proto-héraldique, sont comme des oriflammes, dont on retrouve les couleurs dans les quatre roues aux angles de la page, mais aussi dans le grand cercle au compas (rouge à l’intérieur, vert à l’extérieur, mais regardez bien) qui entoure l’évangéliste ou dans les motifs en “poisson”, jaunes ou rouge en haut, rouges ou vert en bas, avec des détails.

On peut se distraire en étudiant les symétries de couleurs à l’oeuvre dans l’image.

Acte 4. Peur de quoi ?

Vers le nord, à l’autre bout de l’Europe, vers 700, on peignait l’évangéliaire de Lindisfarne. Dans certaines pages, la disparition des scène figuratives, des personnages, est beaucoup plus nette qu’en Espagne – et là on ne peut pas invoquer l’influence d’une esthétique musulmane – même si curieusement on en retrouve certaines tendances, comme le goût des entrelacs, de la géométrie, l’usage décoratif des lettres.

Là aussi, il est facile de “compter les couleurs” qui sont utilisées par le peintre-dessinateur, puisqu’elles sont bien distinctes et se retrouvent partout dans la page. Le détail ci-dessus est sur la page d’ouverture de l’évangile selon Jean, qu’on voit en entier à droite.

On voit aussi, au-dessus de euangelium secundum iohan(nem)écrit en rouge vers le haut à droite, en plus petit et en noir, la glose anglo-saxonne : godspel eft(er) iohan(nes).

Le tracé virtuose du dessin, pour quoi ce manuscrit et quelques autres comme le Livre de Kells sont célèbres, est aussi pensé en fonction des couleurs qui seront posées ensuite pour en souligner les rythmes, les oppositions.

Mais parfois les couleurs sont posées en motifs géométriques même sans le support évident d’un dessin au trait. Non seulement quand le peintre s’est amusé, ci-dessus et ailleurs, à emplir les creux des lettres du texte :

In prin / cipio / erat uerbum / et uerbum erat / apud dominu(m) et d(eu)s2

avec les couleurs franches dont il disposait, mais par exemple quand il s’est plu à jouer du compas pour amener les couleurs au contact.

Lindisfarne Gospels. Détail de la page du “XP”, au début de l’Evangile selon Matthieu.

Acte 5. Morale de cette histoire

Parmi beaucoup d’autres qu’on pourrait produire, ces exemples sont intéressants parce que dans une part de la culture d’aujourd’hui en Europe, on est persuadé que les couleurs sont des faits évanescents, toujours en nuances, insaisissables, trop personnels pour être réduits à des catégories : “des goûts et des couleurs…”

Je ne discute pas du tout cette idée. Elle est d’autant plus intéressante qu’il en existe manifestement une autre, comme dans les exemples de ce billet, où les couleurs sont tranchées, faites pour assurer des contrastes, et revenir avec la même valeur constamment dans une peinture. Dans cette esthétique contrastive, sans “fondu”, on peut parfaitement compter les couleurs que le peintre a utilisées.

En Europe, c’est une des différences majeures entre les époques dites “romane” et “gothique” que le passage d’une esthétique à l’autre. Mais le “fondu” progressera encore au XVe siècle avec la redécouverte des ombres portées, et dans la peinture de la Renaissance il n’est plus guère question de jouer avec des à-plats de couleurs vives contrastées… sauf dans certains cas ; dans les arts décoratifs en particulier.

Van Gogh. Champ de blé aux corbeaux, 1890.

Il est amusant de considérer le courant “impressionniste” comme une sorte de regard nouveau sur la lumière, une décomposition des “fondus” en atomes indépendants, et à travers cela une réévaluation des valeurs colorées ; et de voir ensuite chez les Fauves ou chez Van Gogh un retour des teintes vivement contrastées.

NOTICES des images (1) Evangéliaire de Lindisfarne. La page complète est accessible ici. On peut constater sur l’image ci-dessous qu’il s’agit du haut des lettres L et I du mot latin liber ‘livre’. Ceux d’entre vous qui avez de bons yeux, ont vu les trois petites lettres boc en noir, près de la pointe du I ; on le voit mieux sur l’image en tête du billet. C’est le mot anglo-saxon boc, devenu plus tard book ‘livre’ en anglais d’aujourd’hui – et qui traduit le mot latin liber.

(2) et (3) sont des photos faites lors de la visite (déc. 2023) de l’exposition, au musée Guimet. Le cartel du Musée nous dit : ‘Attribué à Tosa Mitsumorii (1583-1638) / La poétesse Ono no Komachi / Epoque de Momoyama, 16e siècle / Peinture sur soie / Paris, musée Guimet, achat 1902, EO 516.’ (4) Ono no Komachi et autres, 1997, Visages cachés, sentiments mêlés, traduit du japonais, présenté et annoté par Armen Godel et Koichi Kano, Ed. Gallimard, coll. Connaissance de l’Orient. Cet ouvrage est une somme sur Ono no Komachi, en assemblant les poèmes de, ou attribués à, la poétesse du IXe siècle, en expliquant les raisons des développements légendaires, en traduisant les différentes pièces de théâtre no issues de ces développements, en ajoutant Le Dit de Komachi, un conte anonyme brochant sur le tout, avec des appendices. (5 et 6) cette photo du sarcophage provient d’ici. (7 et 8) proviennent de John Williams, 1977, Manuscrits espagnols de Haut Moyen Âge, trad. Robert Latour, Ed. Chêne, pp. 44-45. (9 et 10) proviennent de Carl Nordenfalls, 1977, Manuscrits irlandais et anglo-saxons, l’Enluminure dans les Îles Britanniques de 600 à 800, (trad. non mentionné), Ed. Chêne, pl. 22 p. 75. (11) provient de l’article ici. (12) Van Gogh, l’image du Champ de blé aux corbeaux provient d’ici.

  1. En visitant l’expo, j’étais avec une amie qui n’a pas froid aux yeux. En voyant ces portraits, ces visages de jade, elle m’a dit : “Mais les Japonais(es) ne sont pas du tout comme ça !” Et en effet, nous avons regardé autour de nous, puisque parmi les visiteurs il y avait un certain nombre de Japonais(es), et ils ne ressemblaient pas ! []
  2. C’est le début, dans la traduction latine ordinaire, de l’Evangile de Jean : ‘Au début était le verbe (ou : la parole) et le verbe était avec le seigneur et Dieu’, etc. []

OpenEdition vous propose de citer ce billet de la manière suivante :
François Jacquesson (8 janvier 2024). Rebords et couleurs. Caramel. Consulté le 16 mars 2025 à l’adresse https://doi.org/10.58079/vjvr


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